"¿Otra de fantasma vestida de blanco y con pelo largo?". Esa suele ser la frase con la que se recibe últimamente a las hace pocos años populares películas de terror orientales. La repetición de este icono parece que agota un poco al público occidental, que sí tiene ya asumido que todos los hombres lobo tengan pelo, los vampiros chupen sangre, o "nuestros fantasmas" sean normalmente de un blanco translúcido (una vez que los de sábana blanca están definitivamente en horas bajas). El caso de los fantasmas en la cultura japonesa es el mismo, y quizá el error del espectador oriental ha sido considerar a Sadako como un novedoso personaje, cuando en realidad era una representación más de un estereotipo que se viene repitiendo desde hace siglos en la cultura nipona, y desde los inicios del cine en el terror japonés. Vamos a intentar en este artículo acercaros al fantasma típico de la cultura japonesa, y a explicar los motivos de su aspecto.
Grabado Japonés del S. XIX.
El fantasma clásico japonés se llama yurei, que significa algo así como "alma apenas visible". El yurei aparece en la tierra cuando el alma (reikon) no recibe el apropiado rito funerario, la muerte no ha sido natural (ha habido un asesinato o un suicidio), o si el reikon está muy influenciado por algún sentimiento (generalmente odio o venganza). Recordemos, por ejemplo, como Sadako (Ringu) era arrojada a un pozo, o Kayako era asesinada por su marido. Normalmente el yurei vaga por nuestro plano, permaneciendo atado a un lugar (el pozo de Sadako, la casa maldita de Kayako) o una persona (aquella de quien espera el amor o la venganza). Aunque en las películas, a veces espíritus muy poderosos encuentran la forma de extender su venganza más allá de su zona de actuación mediante cintas, teléfonos... pero finalmente hay que enfrentarse a ellos en su morada (Ju-On, Ringu, el Pozo...). Eso no quiere decir que cualquier persona asesinada o enamorada pueda volver en forma de yurei, y es necesaria una gran fuerza emocional, o habilidades psicológicas (lo que explica que tengamos varios casos de niñas con poderes premonitorios o diversos grados de telepatía en sus orígenes; recordemos a Sadako siendo repudiada por sus vecinos). La única forma de devolver la paz a uno de estos fantasmas es, o bien que cumplan su objetivo (venganza, amor...) o celebrar los ritos funerarios que necesita para pasar del purgatorio y reunirse con sus ancestros (Los que hayan visto el Ojo -el film no es japonés, pero la idea cultural es similar- recordarán a la familia protagonista realizando un rito funerario en el portal del edificio para que desaparezca el fantasma del niño que se aparece en repetidas ocasiones).
Según la fuerza que mantenga al yurei en nuestro mundo, recibe un nombre distinto. En las películas, el habitual es el onryo, que es aquel espíritu que permanece en este mundo por venganza. El concepto no debe entenderse a la manera occidental. La venganza de un fantasma japonés no va necesariamente dirigida al sujeto que la provoca. Esto explica por qué muere un inocente tras otro cuando el onryo comienza a hacer de las suyas en la película. De hecho los yurei más poderosos (que suelen ser del tipo onryo) pueden seguir manifestándose incluso después de haber consumado sus objetivos en el mundo físico (perfecta excusa para crear secuelas fílmicas de estas historias). De hecho las emociones de los onryo suelen representarse en la cultura popular como las más fuertes haciéndoles casi inmunes, por ejemplo, a la purificación que se realiza al darles el correspondiente rito funerario una vez que sus restos son encontrados. Su sed de venganza va más allá. ¿Por qué tienen ese aspecto? Bien, inicialmente un fantasma japonés no se diferenciaba de cualquier otro humano. Pero la costumbre comienza a cambiar a finales del siglo 17, cuando un juego llamado Hyakumonogatari Kaidankai se hace popular entre la clase alta japonesa. Consistía en encender 100 velas, e ir caminando alrededor de ellas contando uno de los jugadores un kaidan (historia de fantasmas). Cada vez que se finalizaba una de las historias se apagaba una vela, quedando cada vez más a oscuras, e invocando así alguna presencia del otro mundo. Así la fama de las historias de yurei crecieron rápidamente, trasladándose a artes como la pintura (la primera representación gráfica de un yurei se considera que es el Fantasma de Oyuki, pintado por Maruyama Okyo en el siglo XVIII) o el teatro japonés, el kabuki.
Fue sobre todo en el teatro donde comenzaron a hacerse típicos algunos elementos que facilitaban al público la identificación de un yurei en escena. Primero está el aiguma, que es el maquillaje blanco e índigo que llevan en su rostro. Luego tenemos el kimono blanco, llamado katabira, que tiene su origen en los rituales mortuorios. Takashi Shimizu, director de la Maldición y su remake el Grito, nos explica a que se debe esta vestimenta: "En Japón, cuando una persona muere, la vestimos con un kimono blanco antes de ponerla en el ataúd, pensando que la vestimenta blanca limpia el alma de la muerte para que pueda ir al cielo. Luego se la incinera. Cuando el alma de un muerto se manifiesta en forma de fantasma, suele hacerlo vistiendo ese atuendo de enterramiento." Ya tenemos la primera clave, van de blanco porque así visten a los cadáveres. ¿Por qué mujeres? Pues lo cierto es que los yurei pueden ser hombres o mujeres, pero normalmente ellas suelen venir en forma de onryo, mientras que tradicionalmente los fantasmas masculinos se reservaban muertes heróicas en batallas (recordemos Trono de Sangre, de Akira Kurosawa, por poner un ejemplo cinematográfico). De hecho los fantasmas más populares de la cultura japonesa son onryo femeninos, como Oiwa u Otsuya. La primera es la protagonista de Yotsuya Kaidan, una obra de kabuki escrita en 1825 basada en una leyenda real, que es la historia japonesa de fantasmas más conocida. Se ha adaptado al cine más de 30 veces, la primera de ellas en 1912, si bien muchas de las versiones se perdieron durante la ocupación de Japón tras la II Guerra Mundial, en la que se destruyeron multitud de films japoneses. El mismo motivo nos impide disfrutar de las primeras apariciones del otro fantasma clásico, Otsuya, la protagonista de Botan Doro, adaptación del siglo XVII de una leyenda china anterior. De hecho Otsuya fue la primera en verse en el cine, en 1910.
Curiosamente, ambos yurei (especialmente Yotsuya) tienen una leyenda a sus espaldas, según la cual aquellas obras que las encarnan sufren grandes desastres (dándose casualidades en teatro, cine y televisión). Es ya tradición en Japón que los actores principales (¡sobretodo la actriz que encarna al yurei!) y el director suelen desplazarse a la tumba de Oiwa para solicitar su beneplácito para la adaptación, y librarse así de su ira. Volviendo al aspecto de los fantasmas, nos faltaba saber el motivo de su larga cabellera. Al igual que el color de la piel y las ropas, las pelucas (tan importantes en el kabuki) ayudaban a etiquetar inmediatamente a los personajes. ¿Por qué es largo, negro y alborotado? Es largo por la creencia popular de que el pelo sigue creciendo después de muerto, y negro porque... ¡así lo tienen los orientales! Para explicar que esté alborotado, y la movilidad que solemos verle en las películas, hay que profundizar aún más en las creencias tradicionales niponas. Takashi Shimizu nos da la clave: "Antiguamente, las mujeres japonesas cuidaban mucho de sus cabellos. Pensaban que su larga cabellera negra poseía un alma y por tanto era muy preciosa para ellas. Una mujer con el pelo alborotado es, pues, una de las representaciones comunes de un fantasma. El cabello despeinado expresa la emoción contenida, como una profunda cólera o rencor que una mujer deja escapar con el fin de obtener venganza."
La combinación de todos estos elementos se ha traducido en un fantasma muy singular y realmente terrorífico, no sólo para el público japonés y oriental, sino de cualquier parte del mundo. Uno supone que con el tiempo nos acostumbraremos, e incorporaremos este tipo de "monstruo" a nuestra galería de clásicos. Hasta entonces, tendremos que aceptar que no es que los japoneses anden escasos de ideas. Es que sus fantasmas "son así".
Los diseñadores gráfico solemos jugar con las figuras retóricas y cambiar el simbolismo o significado de las cosas con un fin irónico y jugar con el contexto de la imaginería son parte de nuestra consigna y si alguien maneja con destreza esta habilidad es Salles el autor de el blog Cinismo Ilustrado, quien hace tiempo presento una parodia que muchos podrían tachar de sacrílega causando estupor y roncha en más de una persona, de la misma manera el camarada Héctor Turriza nos presento una versión tropicalizada de esta idea con un acento sarcástico, ¿Qué dirían todos aquellos detractores de estas muestras de ingenio si supieran que ambos autores probablemente sin saberlo tenían completamente la razón?.
version de Cinismo ilustrado.
Version del camarada Turri.
Hace tiempo había comentado en este mismo blog el origen del logotipo de la famosa cadena de cafeterías, que curiosamente se trataba de un grabado un ser mitológico llamado MELUSINA y no una sirena como todo el mundo cree, pero ¿Por qué tiene una corona? ¿Por qué tendría una cola doble?¿como es posíble que un símbolo de los placeres humanos y la tentación como la llamada"sirena" tenga un relación con algo tan sagrado para el cristianismo como una virgen?
En el arte medieval románico es común ver representadas figuras mitológicas como grifos, dragones y faunos debido a que en esa época se encontraba en un período de transición, la arquitectura medieval está llena de sincretismos simbólicos y el papel de la mujer representada de una manera fantásticas; es frecuente encontrar en los capiteles de las iglesias, arpías, las sirenas originales( mujeres pájaro) y las sirenas conocidas comúnmente mitad pez mitad mujer y un tipo especial de sirenas de doble cola, esta última nos llama la atención pues los expertos le aluden simbolismos alquímicos.
Las sirena es frecuente en la mitología griega, como ejemplo tenemos el relato homérico de la isla de las sirenas, a la que describe como pradera repleta de huesos de los hombres devorados, entendemos que desde el punto de vista histórico-mitológico, la sirena clásica respondería a una figuración inicial de mujer pájaro habitante de las profundidades abismales con una clara función conductora de almas, como lo constatan las obras clásicas desde Apolonio de Rodas, Higinio y hasta Ovidio,entre otros muchos.
. Pero será en la gran difusión oral del Canto duodécimo del episodio de la Odisea en el S. VII a. C., cuando se produce la evolución en el concepto homérico de las sirenas. En el momento en que las despechadas sirenas fijas en las rocas se arrojan al mar tras su fracasada seducción al astuto Ulises, la literatura mitológica las convierte, muta y transforma en seres pisciformes adaptados a su nuevo hábitat acuático. Aquí se produce una variación en la imagen popular y nace, pues, la Sirena-Pez.
Una de las representaciones de dicho personaje lo podemos encontrar en la iglesia de templo románico de San Pere de Galligans (Girona España),La sirena en actitud solemne se mantiene erguida sobre su cola de pez, en ambas manos sujeta un par de peces manteniendo una equilibrada posición de brazos que nos recuerda a la conocida iconografía del "orante". Su cabeza toca a una elevada plataforma con estrellas esculpidas que simulan su corona.
Sin duda, la composición del personaje nos transmite su labor de enlace entre el ámbito de las aguas subterráneas o inferiores y el de las superiores o celestes, el canal que conecta los dos mundos, algo parecido a la función de la escalera mística o de Jacob que une el bajo mundo con el superior, o el cielo con la tierra.
Dicho concepto nos remite también a la figura de la Virgen María, -considerada como el conducto entre Dios y los hombres-, según la relación que algunos Santos Padres aplicaban al simbolismo de la escalera y a la Santísima Virgen.
En esta extraña y única imagen, se retoma su significado positivo para adecuarla al Emblemata María, y que a modo de columna coronada aparece erguida y majestuosa, para enfatizar en su firmeza y estabilidad que la hace mantenerse en los momentos adversos. "Hanc mare sed fortem sors inimica beta" (Aunque haya tempestad en el mar, ella se mantiene fuerte e inalterable).
*La sirena rompía la adversidad, confiando en su valor .
La sirena queda, aquí, exenta de connotaciones tentadoras y vuelve a ser portadora de la sabiduría del submundo, el lugar desde el que con su cola de pez se endereza para ascender hasta el cielo estrellado, uniendo los dos mundos y figurándose como el medio de acceso de un ámbito al otro. .Sin embargo, rara resulta ser esta consideración de la sirena medieval como ser benévolo, pues cuando la cultura cristiana "cosifica" a la mujer y la pliega a la voluntad del hombre educando su mentalidad para ser su servidora, la concepción moral religiosa inclina la percepción de la sirena como símbolo de pecado, y más cuando esa extremidad marina sencilla y única (melusina), se bifurca en dos para responder a las exigencias impuestas por la simetría (ley del marco) o simbología hermética (dos vías).
El simbolismo de la trascendencia del mundo subterráneo hacia la manifestación retoma una connotación negativa, el folklore religioso-popular considera como las propias extremidades de la sirena a esos dos peces que unen sus bocas, y que, amén de su fuerte significado alquímico, hacen resurgir el interesado mensaje pecaminoso de lujuria y vanidad que da especial impulso al efectismo perseguido al rematarlos a modo de sujetas colas que se desparraman como melenas abiertas.
En la primera pintura se aprecia perfectamente cómo una mujer con una corona de tres penachos sujeta dos grandes peces que quedan simétricamente encarados. La percepción de la composición, aunque ingenua, nos transmite majestuosidad. . En cuanto a la segunda imagen, las cabezas de los dos peces han sido totalmente fusionadas insinuando las dos colas de una figura femenina que ya carece de corona, y que posiblemente no goza de un valor tan activamente positivo.
Sin embargo y paralelamente, en el mundo bizantino es donde se produce otra gran metamorfosis simbólica, la cual podemos observar perfectamente en los relicarios o enkolpiones bizantinos (s.X-XI).
La sirena de las profundidades, se transforma en Virgen-diosa-María, que aparece como Platytera en el reverso de la cruz. Podemos observar en el aparente faldón de la Virgen, y de forma muy clara, como se evidencia una cola de pez que yergue hasta el vientre de una María en proceso de fecundación y que aparece ostentando una tiara de tres peces como participe de los tres mundos, cielo, tierra y profundidades marinas, portando los peces psicopompos en su manos.. De nuevo, la mutación formal y simbólica, propicia una evolución interesada de una mujer tentadora, a una diosa-madre, concebidora y gestante de Iesus Xhristus ( pez).
Posteriormente, ese mismo arte, propiciará, en los mismos medios, la evolución de la imagen hacia una desaparición paulatina de la cola de la sirena-pez en su variante fecundadora, y se precipitará hacia el signo de gestación en el vientre, como punto central. . La inscripción, con su nombre, sustituirá a la tiara; los peces adquieren forma humana, pero tanto en ellos como en la Virgen pervive ese recuerdo de ámbito subterráneo en el trazado escamoso de su cuerpo-vestido. El punto central ya adquiere la forma de su futura manifestación, el Hijo de Dios. . Finalmente en la figuración bizantina de la Orante o Virgen del Signo, la tiara se convierte en nimbo de luz y los peces que portaba en las manos en la personificación de Gabriel y Miguel, los arcángeles que, al igual que lo anillos de Sem o los peces psicopompos, conductores de almas de un ámbito a otro. . Así, la Liliht de la desolación, la lamia griega, la Eva hebrea, la Artemis helénica, la Innanna íbera y la Afrodita romana, quedan desprovistas, en sus manos, de instrumentos de sensualidad y medios para ofrecer el mal (aros y triángulos de la Inmortalidad y manzana del Conocimiento) para mantener -sin variar la disposición oferente de sus brazos- los frutos de la redención cristológica a través del martirio en la cruz.
A la par de esta interpretación sagrada tenemos este mismo símbolo como una metáfora alquímica mas profunda es decir que a pesar de esta interpretación sagrada del cristianismo se oculta otro significado mas elaborado.
En esta otra talla perteneciente al National Museum Budapest, el símbolo reaparece altamente positivo. La división de ambos peces en su unión con el torso femenino está especialmente acentuada dejando visible la parte central del cuerpo donde se exhibe la forma de la escalera, aludiendo a ese canal que enlaza el mundo oculto o inferior y el visible o superior. - Asimismo la corona trilobada que ostenta la sirena apuntando al ámbito celeste, es análoga a la tiara de peces en el enkolpión mariano y a la diadema de estrellas de la sirena del templo de Galligans. .Y es precisamente en este mismo templo de Galligans -esta vez en su claustro-, que de nuevo encontramos otra sirena que nos llena de asombro, tanto por la belleza de su composición como por el sutil mensaje alquímico que engloba:
Tras la primera impresión no parece haber duda que se trata de una habitual sirena de dos colas, pero si observamos un poco mejor, advertimos que en realidad las líneas ovaladas que adornan el inicio de las colas, son los ojos de los dos peces, que unidos en la boca marcan el punto de encuentro desde donde emerge el cilíndrico torso humano.
Es el atanor donde se gestará el misterio inconcebible que dará paso al nacimiento del Niño luminoso.
También Lambsprinck, como buen filósofo en el arte hermético, nos lo indica en su "Pequeño tratado sobre la Piedra Filosofal" : "...los filósofos dicen comúnmente que hay dos peces en nuestra mar, los dos, en verdad, sin carne ni espinas son cocidos en el agua que les es propia. Entonces saldrá de ellos la gran Mar (o gran obra, es decir, el primer embrión de nuestra piedra que llegará a ser azufre perfecto) que ningún hombre puede describir. He aquí lo que por esto entienden los filósofos: Se encuentran dos peces, pero los dos no son sino uno, dos, sin embargo, y, no obstante uno solo."
Y aparece siempre la sirena de dos colas indicando esa perfecta simetría, con los mismos elementos a uno y a otro lado, sugiriendo el equilibrio, esa vía recta, el camino del medio.La idea del "camino del medio" entre las dos variables naturalezas se suele encontrar desde tiempos antiguos bajo apariencias más esquemáticas.
Hay quienes ven la relación en algunas citas bíblicas que hacen mención a este objeto como alegoría de la esperanza: . "...los que buscamos un refugio asiéndonos a la esperanza que tenemos como segura y sólida ancla de nuestra alma..." (Hb 6, 18-19).
Hoy en día el ancla es un signo que sigue persistiendo, pues su imagen sigue siendo utilizada en heráldica y en áreas eclesiásticas, aunque lamentablemente valorado bajo un pequeño aspecto de su auténtico significado:Es fácilmente reconocible la semejanza sintética del ancla con la sirena bífida.
Pero el ancla visualizada como la esperanza del buen cristiano en la llegada a buen "puerto", no solamente es eso.
En realidad, el ancla también es asociada a la misma alma y la fuerza de su símbolo radica en su resistencia. Su imagen nos muestra que el ancla es firme e inalterable, tal como debe mantenerse el alma ante la fluctuación de las dos vías (peces)
Su simbología nos traslada a la manifestación de lo oculto, a la Venus hermafrodita que encierra la virtud fermentativa, a la sustancia húmeda, espíritu universal del mundo. El Alma Mundi.
Es la Virgo paritura. El principio femenino fecundo por sí mismo, signo inequívoco del más auténtico origen de la vida, la madre cósmica desde donde la vida brota de su propio impulso creador. . Es la fuerza innata y eterna, que evoluciona con clara comprensión y aceptación de su cambio: el Alma Mundi arcaica y gestante.
Aunque más actual y posiblemente renovada, la Virgen de la Esperanza en Blanes (Barcelona) sigue guardando los principales atributos que la identifican como receptáculo del conocimiento hermético: sobre su cabeza el signo astral por excelencia, las doce estrellas o cinturón zodiacal y bajo sus pies se ha ubicado el ancla para argumentar el contacto y dominio de la Virgen sobre las aguas profundas y subterráneas, fuente y raíz de toda manifestación de vida.
La posición equilibrada de sus brazos nos remite a las imágenes anteriormente expuestas, la Madre Santa que abarca toda manifestación.
Y así es como el Ancla en su significado más encubierto esta vinculada a la Santísima Virgen, y en concreto, bajo su expresión de Virgen de la Esperanza o mejor entendido: de la "buena esperanza".Una Virgen que es la heredera legítima de la mujer vestida de Sol de Ap.12, que con la luna a sus pies y coronada con doce astros evoca ese principio de conexión entre el mundo de lo oculto y la manifestación visible.
Y donde lo dicho hasta ahora ha sido compendiado con todo lujo de detalles es en esta excepcional figura que encontramos en el Palacio Comunal de Pola (Croacia).
en ella vemos como confluyen las características de representaciones anteriormente mostradas: .Erguida sobre su cola acuosa fundamenta una columna perfecta que concluye en la corona de tres picas que ciñe su cabeza. En cuanto los peces sujetados se testimonian perfectamente en las aletas y colas de sus cuerpos, los que, uniéndose a la sirena confluyen en el punto donde sobresale el manifiesto abombamiento gestante.. En esta imagen de forma muy explicita se condensa todo el itinerario de lo anteriormente expuesto y como un objetivo visual cumple su cometido, la sirena como paradigma del cuerpo mixto se muestra como símbolo de esa escala que une la zona abismal con la superior, a la vez que se revela como el único recipiente apropiado para abarcar y contener a las dos fuerzas antagónicas, cuya unificación precipitará el estado de "buena esperanza" el embrión del Niño Luminoso o Piedra Filosofal por medio del cual conoceremos la ciencia de la regeneración física y completa del hombre. He ahí el canto de la sirena, capaz de iniciar en los misterios a quién es capaz de escuchar y no sucumbir!!.
Leyendo el blog de Nice fuking graphics (el cual recomiendo bastante) doy con este singular video que recopila la mayoria de los homenajes que hace Tarantino de las películas western y del Género Samurai en la aclamada Kill Bill, la cual por cierto se encuentra entre mis películas favoritas.
La agencia de noticias Reuters reporta que artista Irlandes Jim Fitzpatrick ha decidido registrar los derechos de la imagen icónica del mítico revolucionario Argentino el CHE Guevára, misma que fue realizada a partir de una fotgrafia de Alberto Korda, ¿que precedentes marcará esto en los derechos de autor ?sobre todo tratándose de una de las imagenes mas reproducidas del siglo XX.
DUBLÍN (Reuters) — El artista irlandés cuyo póster del revolucionario latinoamericano Che Guevara se convirtió en una de las imágenes más reproducidas del siglo XX, dijo que decidió registrar derechos de autor sobre la imagen para impedir su "burdo uso comercial".
Jim Fitzpatrickprodujo la clásica impresión rojinegra del Che utilizando una boina de soldado con una estrella solitaria en 1968 y la distribuyó sin derechos de autor para su uso por grupos revolucionarios de Europa.
Rápidamente fue adoptada por estudiantes de izquierda, cuyas camisetas y afiches ayudaron a convertir a la imagen en un símbolo de rebelión.
Pero la imagen del revolucionario marxista, quien ayudó en la llegada al poder de Fidel Castro en 1959, desde entonces ha sido tomada por fabricantes de tazas, gorras de béisbol e incluso de lencería. La imagen está estampada en restaurantes de temática cubana alrededor del mundo.
"No se trata de hacer dinero, es para asegurarse de que se utilice del modo correcto (...) que no sea usada para burdos propósitos comerciales", dijo Fitzpatrick, un artista celta que ha realizado las portadas de discos de grupos irlandeses como Thin Lizzy y la cantante Sinead O'Connor.
Tras cuatro décadas de libre autorización para la reproducción de la imagen, Fitzpatrick señaló que pidió la documentación para demostrar que él posee los derechos de autor.
Tiene pensado viajar a fin de año a La Habana para entregar los derechos de propiedad a la familia de Guevara.
"No tengo problemas en verla en cantidades masivas de camisetas. Tan sólo no quiero que alguien obtenga grandes cantidades de dinero de ella cuando (el dinero) podría ser usado para un hospital de niños en La Habana", señaló.
fotografía original de Alberto Korda.
Un detalle que complica el tema es el hecho de que la obra de Fitzpatrick está basada en una fotografía tomada por el cubano Alberto Korda en un funeral en La Habana.
Korda demandó con éxito a una firma londinense publicitaria por usar una versión de la imagen de Guevara en una campaña para la marca de vodka Smirnoff. La hija de Korda posteriormente intentó bloquear el uso de la imagen por parte de críticos del régimen cubano.
Fitzpatrick señaló que antecedentes de la era del pop art de la década de 1960 le dieron la confianza de que su serigrafía podría ser considerada como una obra de arte independiente de la fotografía.
De cualquier forma, las familias tanto de Korda como la de Guevara comparten el deseo de evitar el uso comercial de la imagen que probablemente sería un anatema del revolucionario comunista, explicó Fitzpatrick.
"Simplemente la quiero entregar y dar los derechos de la imagen que cree a la familia y que ellos decidan qué quieren hacer" explicó.
"Causé el problema y ahora busco el modo de rectificarlo", añadió.
Pocos saben que el logotipo de la compañia Mitsubishi es de origen Heráldico, la compañia que fue fundada el 13 de mayo de 1870 por Yatarō Iwasaki, hijo de una familia samurái,este eligió para conformar el logotipo de su marca, el blasón nobiliario del señor feudal nipón Tosa Yamauchiel, el significado del nombre esta conformado por las palabras 'mitsu', que significa tres, e 'hishi', que significa diamantes.
A estos símbolos nobiliario se les denomina mon (紋, mon), monshō (紋章, monshō), mondokoro (紋所, mondokoro), o kamon (家紋, kamon), a las insignias de los diversos clanes que existieron durante el período feudal de Japón. Corresponden a símbolos, en su mayoría redondos, con diseños estilizados de flores, pájaros, plantas, fenómenos de la naturaleza, hasta flechas, que representan "la marca registrada" de una familia. Tales diseños están íntimamente ligados a la historia y la filosofía de los antepasados.
El origen de la heráldica o emblema japonés se remonta a la era Heian (794-1192) cuando era simplemente usado para distinguir las carrozas de bueyes de los nobles. Poco después el símbolo fue utilizado en diversas pertenencias.
Más tarde, en la era Kamakura (1192-1333), el kamon apareció en las banderas y estandartes que llevaban los samuráis cuando luchaban en masa y aparecían montados a caballo. En el campo de batalla, los diferentes emblemas servían para distinguir a ambos bandos. Los emblemas de guerra eran más simples en comparación con los de casa pues debían ser reconocidos desde lejos.
Nunca se ha tenido un recuento oficial de este tipo de símbolos pero se estima que ha día de hoy existen unos 20.000 tipos de Mon. Entre los Mon mas conocidos se encuentra el emblema de la familia real que representa una flor de crisantemo, se puede ver en el templo Nijo-jo, en el tren de la familia real o incluso en su avión privado.
Emblema de la familia real japonesa.
Como dato curioso el símbolo de la "trifuerza" del videojuego "the legend of zelda" esta inspirado en un Hamon japonés asi como los signos del la alianza rebelde y la república de la saga de Star Wars.
Algo que cada dia se esta volviendo mas frecuente¿hasta donde los derechos de autor protegen la integridad de las obras? y ¿hasta donde vulneran la libertad de expresion y libre distribucion de contenido no comercial?,
Al parecer en un futuro un simple y llano copy + paste puede costarnos una fortuna.
un muy interesante reportaje que he encontrado visitando MICROSIERVOS , veanlo y opinen.
El lunes por la noche, cuando millones de admiradores de Edgar Allan Poe conmemoren el 200 aniversario del nacimiento del maestro de lo macabro, un hombre cuya identidad nadie conoce dejará en la tumba del escritor, en Baltimore, una botella medio vacía de coñac y un ramo de rosas rojas.
O quizá, no. Porque el misterioso visitante del bicentenario cementerio Old Western, en la esquina de las calles Fayette y Greene en la ciudad de Maryland, a quien llaman "Poe Toaster", que ha incursionado en las sombras desde 1949, quizá esté ausente este año cuando el mundo entero amontone homenajes a Poe.
Corria el año de 1992 cuando conoci por primera la macabra historia de un detective quien curiosamente era presentado por primera vez (mucho antes que el famosisimo Sherlok Holmes) pues la historia fue publicada en 1841. se trata de Auguste Dupin. quien tenia que resolver un macabro asesinato cometido en una habitacion cerrada se trata de "los cirmenes de la calle Morgue" la calidad de la narracion te atrapaba desde la primera linea, recuerdo la pasta color cuero con letras doradas y uno a uno lei todos los cuentos que se encontraban en el. Como "El angel de lo estrambotico" "El gato negro" y coloquio entre monos y unas" el escritor nada menos que Edgar Allan Poe de quien soy un total admirados desde entonces, como olvidadar las pesadillas que me causo el relato de "el corazon delator.
A poposito de este aniversario se publicara en Mexico La guarida del horror una serie de historias y poemas creados por Edgan Allan Poe y Lovecraft, los cuales fueron trasladados el cómic de la mano del dibujante Richard Corben.
Las historias como: El Corazón Delator, y los poemas: El espíritu de los muertos y el Cuervo, son unas cuantas de las obras que veremos plasmados en el próximo Monster Edition creado por Televisa-Marvel México.
Casi de acuerdo con la obra característica de Poe -que incluye cuentos de terror, relatos detectivescos, situaciones macabras y misterio, mucho misterio-, la causa de la muerte del narrador nunca se aclaró.
Las especulaciones incluyen alcoholismo, congestión cerebral, abuso de drogas, cólera, fallo cardiaco, suicidio, tuberculosis y hasta hidrofobia.
La influencia de Poe, cuyas exploraciones intelectuales incluyeron asuntos como la criptografía y la cosmología, alcanzó a escritores como Jorge Luis Borges, Julio Cortázar y H.P. Lovecraft, y el poeta nicaragüense Rubén Darío le dedicó un ensayo en su libro “Los raros”.
Los relatos de Poe se han multiplicado en adaptaciones cinematográficas, en revistas de dibujos, y en la televisión con algunos episodios de la serie española “Historias para no dormir”, dirigida por Narciso Ibáñez Serrador.
Durante la conmemoración del 199 cumpleaños de Poe, más de 150 personas se congregaron fuera del cementerio de la Iglesia Presbiteriana Westminter, pero el desconocido “Poe Toaster”, como siempre durante décadas, logró escabullirse después de dejar su homenaje en la tumba.
Dos años antes, en 2006, decenas de asistentes trataron de detener al escurridizo “Toaster”.
Esta semana, por 4 dólares, los visitantes de la casa de ladrillo y persianas verdes donde Poe vivió un par de años podrán ver el sitio en el que el escritor se enamoró de su prima, Virginia Clemn, que tenía 13 años el día de la boda.
Es también la casa en la que Poe escribió “Berenice” y “Relatos del Club Folio”.
El museo también programa exhibiciones acerca de su vida, expone ilustraciones de Gustave Doré para “The Raven“, y muestra el escritorio portátil que Poe usó durante sus viajes.
Tras la visita a la casa de Poe, su admiradores pueden irse hasta la Taberna Annabele Lee, así bautizada en recuerdo del último poema del autor. En el interior, entre paredes cubiertas con poemas de Poe, se puede beber cerveza “Raven”.
Debo admitirlo reniego de los cientos de libros de autoayuda, la verdad pienso que si funcionaran no habría necesidad de nuevos títulos, pero es sorprendente la cantidad de estos y su influencia y popularidad en la vida cotidiana, son el tema de conversación en la tardes café y en la reuniones y cada nuevo autor aparece como un gurú de la autoayuda (al único que están ayudando es a ellos mismos embolsándose cantidades nada despreciables de verdes billetes), sin embrago en ocasiones tengo la oportunidad de encontrar cosas como este video que te plantea el concepto desde otro ángulo. El video que presento a continuación fue proporcionado por una amiga a quien le agradezco el link, y es que desde un punto de vista psicológico, y porque no decir antropológico y conductual nos muestras los simples errores que cometemos al tomar decisiones y que repercuten en nuestra percepción de la felicidad y si, menciono percepción porque la conclusión es que dicho estado es completamente relativo, espero que lo disfrutes y que les haga reflexionar como a mí.
Decálogo para vivir mejor:
1. Plantéate hipótesis alternativas 2. Reformula la pregunta 3. La correlación no implica causalidad 4. Anticípate a tu propia impulsividad 5. Haz planes para prevenir cualquier eventualidad 6. No tomes decisiones importantes cuando estés cansado 7. Toma distancia de las cosas 8. Intenta ser racional 9. Prioriza 10. La felicidad se encuentra en la sala de espera de la felicidad
Estos son los consejos prácticos que nos da el psicólogo Gary Marcus a los que estamos hartos de tropezar siempre con la misma piedra, abrumados por la cantidad de decisiones que tomar o ahogados ante tantas tentaciones a las que sucumbir. Podemos reaccionar y vivir algo más tranquilos y felices en este mundo alborotado en el que contamos únicamente con nuestro cerebro.
"diseño,luego existo...."
"El fantasma de Oyuki" de Maruyama Ōkyo
