10 cosas que aprendi

un genial articulo escrito por el no menos genial Milton Glaser , cortesia de foro Alfa

1. Sólo puedes trabajar para gente que te agrada.

Es una regla curiosa que me llevó mucho tiempo aprender porque, de
hecho, en los inicios de mi práctica sentía lo contrario. Ser profesional
requería que no te gustara particularmente la gente para la cual trabajabas, o
al menos que mantuvieras una relación distante, lo que significaba no almorzar
con los clientes ni tener encuentros sociales. Hace algunos años me di cuenta de
que lo opuesto era verdad. Descubrí que todo el trabajo valioso y significativo
que había producido, provenía de relaciones afectivas con los clientes. No estoy
hablando de profesionalismo; estoy hablando de afecto. Estoy hablando de
compartir con el cliente algunos principios comunes. Que de hecho tu visión de
la vida sea congruente con la del cliente. De otro modo la lucha es amarga y sin
esperanzas.

2. Si puedes elegir, no tengas un empleo

Una noche estaba sentado en mi auto fuera de la Universidad de
Columbia, donde mi esposa Shirley estudiaba antropología. Mientras esperaba
escuchaba la radio y oí a un periodista preguntar: «Ahora que llegó a los
setenta y cinco, ¿tiene algún consejo para nuestra audiencia sobre cómo
prepararse para la vejez?». Una voz irritada dijo: «¿Por qué últimamente todos
me preguntan sobre la vejez?». Reconocí la voz de John Cage. Estoy seguro que
muchos saben quién fue —el compositor y filósofo que influenció a gente como
Jasper Johns y Merce Cunningham y al mundo de la música en general. Apenas lo
conocí y admiré su contribución a nuestro tiempo. «Sabes, no se cómo prepararme
para la vejez», dijo. «Nunca tuve un empleo, porque si tienes un empleo, algún
día alguien te lo sacará y entonces no estarás preparado para la vejez. Para mi
ha sido lo mismo cada día desde los doce. Me levanto a la mañana y trato de
darme una idea de cómo llevar el pan a la mesa hoy. Es lo mismo a los setenta y
cinco: me levanto cada mañana y pienso cómo voy a llevar el pan a la mesa hoy.
Estoy excelentemente bien preparado para la vejez».

3. Alguna gente es tóxica, mejor evitarla

(Este es un apartado del punto 1) En los sesenta había un hombre
llamado Fritz Perls que era psicólogo gestáltico. La terapia Gestalt, derivada
de la historia del arte, propone que debes comprender el «todo» antes de los
detalles. Lo que debes observar es la cultura entera, la familia completa, y la
comunidad, etc. Perls proponía que en todas las relaciones la gente puede ser
tanto tóxica como enriquecedora entre sí. No es necesariamente cierto que la
misma persona será tóxica o enriquecedora en todas sus relaciones, pero la
combinación de dos personas puede producir consecuencias tóxicas o
enriquecedoras. Y lo importante que puedo contar es que hay un test para determinar si alguien es tóxico o enriquecedor en su
relación contigo. Aquí va el test: tienes que pasar algún
tiempo con la persona, así sea tomar un trago, ir a cenar o ir a ver un juego
deportivo. No importa demasiado, pero al final observa si te sientes con más o
menos energía, si estas cansado o si estás fortalecido. Si estas más cansado,
entonces te han envenenado. Si tienes más energía, te han enriquecido. El
test es casi infalible y sugiero usarlo toda la vida.

4. El profesionalismo no alcanza, o lo bueno es enemigo de lo
genial

Cuando comencé mi carrera quería ser profesional. Esa era mi aspiración
porque los profesionales parecía saber todo —sin mencionar que además les pagan
por eso. Más tarde, después de trabajar un tiempo, descubrí que el
profesionalismo en si mismo era una limitante. Después de todo, lo que
profesionalismo significa en la mayoría de los casos es «reducción de riesgos».
Así, si quieres arreglar tu auto vas a un mecánico que sepa como lidiar con el
problema que tiene. Supongo que si necesitas cirugía del cerebro no querrás
tener cerca a un doctor tonto inventando una nueva forma de conectar tus
terminaciones nerviosas. Por favor hazlo de la forma que ha funcionado bien en
el pasado.

Desafortunadamente nuestro campo, el así llamado creativo (odio esa palabra
porque se suele usar mal, odio el hecho de que se la use como sustantivo, ¿te
imaginas llamar a alguien creativo?), cuando haces algo en forma recurrente para
reducir riesgos o lo haces de la misma forma en que lo has hecho antes, se
vuelve claro por qué el profesionalismo no es suficiente. Después de todo, lo
que ser requiere en nuestro campo, más que cualquier otra cosa, es la
transgresión continua. El profesionalismo no da lugar a la transgresión porque
ésta incluye la posibilidad de error, y si eres profesional tu instinto te dicta
no fallar, sino repetir el éxito. Entonces el profesionalismo como aspiración de
vida es una meta limitada.

5. Menos no necesariamente es más

Al ser hijo del modernismo escuché este mantra toda mi vida: «menos
es más». Una mañana, antes de levantarme, me di cuenta de que era un sinsentido
total, un asunto absurdo y bastante vacío. Pero suena importante porque contiene
dentro de sí una paradoja resistente a la razón. Sin embargo no funciona cuando
pensamos en la historia visual del mundo. Si observas una alfombra persa, no
puedes decir que menos es más porque te das cuenta de que cada parte de esa
alfombra, cada cambio de color, cada cambio de forma es absolutamente esencial
para su calidad estética. No se puede probar de ninguna manera que una alfombra
lisa es superior. Lo mismo con el trabajo de Gaudí, las miniaturas persas, el
art nouveau y muchas otras cosas. Tengo una máxima alternativa que creo
que es más apropiada: «suficiente es más».

6. El estilo no es confiable

Creo que esta idea se me ocurrió por primera vez cuando miraba una
maravillosa acuarela de un toro de Picasso. Era una ilustración para un cuento
de Balzac llamado «La obra maestra desconocida». Es un toro expresado en doce
estilos diferentes, desde una versión muy naturalista a una abstracción
reducida a una simple línea, con todos los pasos intermedios. Lo que surge con
claridad al observar este impreso es que el estilo es irrelevante. En cada uno
de esos casos, desde la abstracción extrema al naturalismo fiel, todos son
extraordinarios más allá del estilo. Es absurdo ser leal a un estilo. No merece
tu lealtad. Debo decir que para los viejos profesionales del diseño es un
problema, porque el campo está manejado más que nunca por intereses económicos.
El cambio de estilo suele estar ligado a factores económicos, como todos los que
leyeron a Marx saben. También se produce cansancio cuando la gente ve demasiado
de lo mismo todo el tiempo. Entonces, cada diez años más o menos se produce un
cambio estilístico y las cosas se vuelven diferentes. Las tipografías van y
vienen y el sistema visual cambia un poco. Si tienes años de trabajo como
diseñador tienes el problema esencial de qué hacer. Quiero decir, después de
todo, has desarrollado un vocabulario, una forma que te es propia. Es uno de los
modos de distinguirte de tus pares y establecer tu identidad en el campo del
diseño. Mantener tus creencias y preferencias se vuelve un acto de equilibrio.
La duda entre perseguir el cambio o mantener tu propia forma distintiva se
vuelve complicado. Todos hemos conocido casos de ilustres médicos cuyo trabajo
repentinamente se pasó de moda o, más precisamente, se quedó en el tiempo. Y
allí hay historias tristes como la de Casandre, indiscutidamente el más grande
diseñador gráfico de la década del 20 del siglo XX, que no pudo ganarse la vida
en sus últimos años y se suicidó.

7. En la medida en que vives, tu cerebro cambia

El cerebro es el órgano más activo del cuerpo. De hecho es el órgano más
susceptible de cambiar y regenerarse de todos los órganos. Tengo un amigo
llamado Gerard Edelman que es un gran erudito en estudios del cerebro, que dice
que la analogía del cerebro con la computadora es lamentable. El cerebro es más
como un jardín silvestre que constantemente está creciendo y esparciendo
semillas, regenerándose, etc. Y él cree que el cerebro es susceptible —en una
forma de la cual no somos totalmente concientes— a toda experiencia y a todo
encuentro que tengamos en nuestra vida.

Me fascinó una historia en un periódico hace pocos años acerca de la búsqueda
del oído absoluto. Un grupo de científicos decidió que descubriría por qué
alguna gente tiene oído absoluto. Son los que pueden escuchar una nota con
precisión y replicarla exactamente en el tono correcto. Alguna gente tiene un
oído muy fino, pero el oído absoluto es raro incluso entre los músicos. Los
científicos descubrieron —no sé cómo— que en la gente con oído absoluto el
cerebro era diferente. Ciertos lóbulos del cerebro habían experimentado algún
cambio o deformación recurrente entre quienes tenían oído absoluto. Esto fue
suficientemente interesante en sí mismo, pero entonces descubrieron algo aún más
fascinante: si tomas un grupo de niños de cuatro o cinco años de edad y les
enseñas a tocar el violín, luego de unos años algunos de ellos habrán
desarrollado el oído absoluto, y en todos esos casos su estructura cerebral
habrá cambiado. Bien… ¿qué podría significar eso para el resto de nosotros?
Tendemos a creer que la mente afecta al cuerpo y el cuerpo afecta la mente, pero
generalmente no creemos que todo lo que hacemos afecte el cerebro. Estoy
convencido de que si alguien me gritara desde el otro lado de la calle mi
cerebro podría ser afectado y mi vida podría cambiar. Es por eso que mi madre
siempre decía: «no te juntes con esos chicos malos». Mamá tenía razón. El
pensamiento cambia nuestra vida y nuestro comportamiento.

También creo que el dibujo funciona de la misma manera. Soy un gran defensor
del dibujo, no por haberme convertido en ilustrador, sino porque creo que el
dibujo cambia el cerebro de la misma forma en que encontrar la nota correcta
cambia la vida de un violinista. El dibujo te vuelve atento, te hace prestar
atención a lo que ves, lo cual no es tan fácil.

8. La duda es mejor que la certeza

Todo el mundo habla siempre de tener confianza, de creer en lo que haces.
Recuerdo una vez en clase de yoga, el profesor dijo que, espiritualmente
hablando, si tu crees que has alcanzado la iluminación apenas has alcanzado tus
límites. Pienso que es verdad en un sentido práctico. Las creencias
profundamente arraigadas de cualquier tipo evitan que te abras a experimentar, y
es por eso que encuentro cuestionable a toda posición ideológica sostenida con
firmeza. Me pone nervioso cuando alguien cree demasiado en algo. Ser escéptico y
cuestionar toda convicción arraigada es esencial. Por supuesto hay que tener
clara la diferencia entre escepticismo y cinismo, porque el cinismo es tan
restrictivo a la propia apertura al mundo como las convicciones apasionadas: son
como gemelos. En definitiva, resolver cualquier problema es más importante que
tener razón. Existe una sensación de autosuficiencia tanto en el mundo del arte
como en el del diseño. Tal vez comienza en la escuela. Las escuelas de arte a
menudo comienzan con el modelo de personalidad singular de Ayn Rand, resistiendo
a las ideas de la cultura que la rodeaba. La teoría de las vanguardias es que
como individuo tu puedes transformar el mundo, lo cual es verdad hasta cierto
punto. Uno de los signos del ego dañado es la certeza absoluta.

Las escuelas alientan la idea de no comprometerse y defender tu trabajo a
toda costa. Bien, el asunto es que todo trabajo tiene que ver más que nada con
la naturaleza del compromiso. Sólo tienes que saber con qué comprometerte. La
búsqueda ciega de tus propios fines a costas de excluir la posibilidad de que
otros puedan tener razón, no tiene en cuenta el hecho de que en diseño siempre
lidiamos con una tríada: el cliente, la audiencia y tu mismo. Lo ideal sería que
mediante alguna clase de negociación todas las partes ganaran, pero la
autosuficiencia suele ser el enemigo. El narcisismo generalmente proviene de
alguna clase de trauma de la infancia que no debe profundizarse. Se trata de un
aspecto muy difícil en las relaciones humanas. Hace algunos años leí una cosa
muy notable sobre el amor, que también aplica a la naturaleza de la relación con
los otros. Era una cita de Iris Murdoch en su obituario. Decía: «El amor es el
hecho extremadamente difícil de darse cuenta de que el otro, que no es uno, es
real». ¡¿No es fantástico?! La mejor conclusión sobre el tema del amor que se
pueda imaginar.

9. Sobre la edad

El año pasado alguien me regalo para mi cumpleaños un libro encantador de
Roger Rosenblatt, llamado «Ageing Gracefully» (Envejeciendo con
gracia). No me di cuenta del título en el momento, pero contiene una serie de
reglas para envejecer con gracia. La primera regla es la mejor: «No importa. No
importa lo que pienses. Sigue esta regla y agregarás décadas a tu vida. No
importa si es tarde o temprano, si estás aquí o allá, si lo dijiste o no, si
eres inteligente o estúpido. Si saliste despeinado o calvo o si tu jefe te mira
cruzado o tu novio o novia te mira cruzado, si tu estás cruzado. Si consigues o
no que te den ese ascenso o premio o casa —no importa». Sabiduría al fin.
Entonces escuché un maravilloso cuento que parecía relacionada con la regla
número diez: Un carnicero estaba abriendo su negocio una mañana y mientras lo
hacía un conejo asomó su cabeza a través de la puerta. El carnicero se
sorprendió cuando el conejo preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero dijo:
«Esta es una carnicería, vendemos carne, no vegetales». El conejo se fue
saltando. Al día siguiente el carnicero estába abriendo su negocio y el conejo
asomó su cabeza y preguntó: «¿Tiene repollo?». El carnicero ahora enojado le
respondió: «Escúchame pequeño roedor, te dije ayer que vendemos carne, no
vegetales, y la próxima vez que vengas por aquí te voy a agarrar del cogote y
clavaré esas orejas flojas al suelo». El conejo desapareció precipitadamente y
nada sucedió durante una semana. Entonces una mañana el conejo asomó su cabeza
desde la esquina y preguntó: «¿tiene clavos?». El carnicero dijo: «No». Entonces
el conejo dijo: «Tiene repollo».

10. Decir la verdad

El cuento del conejo es importante porque se me ocurrió que buscar
repollo en una carnicería sería como buscar ética en el campo del diseño. No
parece ser el lugar más adecuado para encontrarla tampoco. Es interesante
observar que en el nuevo código de ética de la AIGA (American Institute of
Graphic Arts) aparece una cantidad importante de información sobre
conductas para con los clientes y para con otros diseñadores, pero ni una
palabra acerca de la relación del diseñador con el público. Lo que se espera del
carnicero es que venda carne que se pueda comer y no mercadería engañosa.
Recuerdo haber leído que durante los años de Stalin en Rusia, todo lo que
llevaba la etiqueta de «ternera» en realidad era pollo. No me quiero imaginar
qué sería lo que llevaba la etiqueta «pollo». Podemos aceptar algún nivel mínimo
de engaño, como que nos mientan a cerca del tenor graso de sus hamburguesas,
pero cuando el carnicero nos vende carne podrida nos vamos a otra parte. Como
diseñadores ¿tenemos menos responsabilidad con nuestro público que un carnicero?
Quien esté interesado en matricular el diseño gráfico, debería notar que la
razón de ser de una matrícula es proteger al público, no a los diseñadores ni a
los clientes. «No hacer daño» es una advertencia a los doctores que tiene que
ver con la relación con sus pacientes, no con sus colegas o con los
laboratorios. Si fuéramos matriculados, decir la verdad se convertiría en algo
más importante en nuestra actividad.

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Catherine Mcintyre

esta autora es una de mis "gurus" en cuanto a ilustracion y fotografia se refiere,maneja las texturas de una forma magistral y se ha convertido en una inspiracion para mi trabajo , he encontrado esto en un foro y me gustaria compartirlo con ustedes.

Catherine Mcintyre , nacida en Escocia, donde trabaja
actualmente, posee estudios formales de fotografía, lo que sin duda
ayuda a entender el carácter de su trabajo centrado en la pose del
cuerpo humano. En sus trabajos, el cuerpo humano tiene un papel
fundamental, de una manera delicada y sutil, y aunque a
veces se mezcle con huesos, moscas y otros elementos que puedan
simbolizar estados decadentes de la carne, es la belleza y tranquilidad
del conjunto de la imagen lo que queda, un estado de cuerpos posando en
espacios fantasmagóricos, en atmósferas densas y veladas por la
espesura del aire.

Ha desarrollado un lenguaje visual caracterizado por una delicada
superposición de capas y suaves transiciones entre elementos, las que a
modo de velos, cubren o dejan ver los cuerpos insertos en sus
composiciones.

Ella toma elementos naturales como cuerposdesnudos, conchas marinas, animales y los combina con papeles, cartas y fotografías antiguas, creando ambientes sobrenaturales y atemporales. Mcintyre posee una capacidad para realizar imágenes increíblemente
simples, pero es sin embargo esta economía de medios la que define su
propuesta, pues con la presencia del cuerpo, una textura y algún otro
elemento, bastan para crear una imagen rica en sentidos y profundidades
visuales, alejada de la acostumbrada sobresaturación de elementos y
demostración de capacidades técnicas comunes en el medio.

Su único libro hasta el momento, Deliquescence, recopila más de 60
trabajos de esta artista, una de las pocas mujeres (junto a Sandy
Gardner) que enriquecen con su sensibilidad un paisaje dominado
generalmente por hombres.

esta es el vinculo a su pagina: ,Catherine Mcintyre

CONSEJOS DE CATHERINE MCINTYRE sobre medios naturales:

1.) Todo tiene que ver con el arte y el arte tiene que ver con todo. Cualquier
cosa, no importa lo mundana que sea, puede despertar conexiones en tu
mente y hacer que se te ocurra una idea nueva. Intenta llevar siempre
una cámara, para esto son buenas esas digitales tan pequeñas; te la
puedes meter en el bolsillo y capturar lo inesperado. También observa
el trabajo de gente que admiras, eso puede ayudarte a clarificar tu
propia visión y la dirección que quieres tomar. Además eso entrena a tus
ojos para ver las buenas composiciones, administración del color...
Hasta que se convierte en algo habitual y pasar a la parte divertida:
Inventar!

2.) Si buscas material interesante, ya habrás ganado media batalla. Por
ejemplo, un hospital local me permitió acceder al departamento de rayos
x, y fue muy valioso. A menudo los propietarios de anticuarios te dejan
fotografiar su material generosamente. También existen museos de
universidades que te dejan sacar fotos sin flash, pero habla antes con
ellos.

3.) Texturiza tus trabajos con muchas fotos. Cualquier cosa que te llame la atención:
Paredes viejas, contenedores, vallas... Usando los modos de capa, la
imagen adquirirá profundidad, tanto visualmente como en términos de
significado. Me gusta jugar con la vejez en un medio tan nuevo; la da
un "alma". Usar objetos que han sido amados y que tienen una historia
ofrece una realidad y una verdad: le dan veracidad al arte digital, que
de otra manera sería demasiado limpio y quirúrgico.

4.) Los modos de capa de Photoshop tienen que ser la manera más importante de
mezclar los elementos de tu trabajo. Permiten que cada una de las capas
tenga una influencia, y te ayudan a evitar un aspecto plano. El modo
correcto puede unir una capa con la imagen; busca uno que te ayude a
fusionarlas, varía su opacidad, incluso puedes duplicarla y asignarle
modos diferentes a cada copia para conseguir un todo coherente. Para
algunas de mis ilustraciones varío el modo de aplicación de la figura a
lo largo de la imagen. Duplicando las capas y usando máscaras, algunas
capas pueden estar en el modo Luminosidad, vinculándolo al tono del
fondo, algunas en luz suave para que disminuyan, y otras en modo Normal
para darles fuerza.

5.) En lugar de las selecciones complejas, de por ejemplo las ramas de un
árbol delante del cielo, intenta aplicar otro modo a la capa: si usas
Multiplicar, o quizás Oscurecer, es posible que no tengas que hacer
ninguna selección.

6.)A veces una imagen puede estar casi acabada y aun así carecer de
"chispa". Intenta ajustar las capas. Por ejemplo añadiendo un poco más
de contraste o saturación puedes darle un empujón. También puede ayudar
una toma abstracta de algo con un poco de color, desenfocada, para que
su tema y su contraste tonal no interfieran con el modo de la capa Luz
suave, o incluso Trama con una opacidad baja. Así puedes dar vida a
áreas monótonas.

7.)Esto puede parecer obvio, pero es fácil meterse tanto una imagen que olvides
guardarla periódicamente. Perder horas de trabajo es desmoralizante,
especialmente cerca de la fecha de entrega. Además, si guardas una
versión antigua y una nueva, después puedes hacer un Guardar Como y
desarrollar ambas. Grabar versiones de las imágenes con capas te
permite volver a trabajar en ellas más tarde si se te ocurre algo
nuevo.

8.) Photoshop te permite experimentar sin destruir el trabajo anterior. La paleta
Historia (en PS 5 posterior) es particularmente útil. Si no estás
seguro de si una serie de pasos ha mejorado la pieza, compruébalo yendo
hacia atrás en los cambios y haciendo comparaciones directas. Puedes
ajustar el numero de pasos que estén disponibles. Mas pasos significan
ocupar más memoria, así que usa una cifra media, 20 o 25, y graba el
trabajo mas a menudo. Así podrás volver atrás en la historia sin
sacrificar la velocidad.

9.)No dejes que el programa determine la obra. Úsalo una y otra vez hasta que los atajos y los controles sean tan naturales que no tengas que pensar
en ellos. Esto puede hacer que seas muy consciente del cómo, en lugar
del qué de la imagen. La mejor manera de desarrollar tu técnica y lo más
importante, tu propia voz, es practicar. Tómate descansos apropiados
(así evitas dolores de cabeza). Para que los ojos se relajen son
suficientes cinco minutos. Diviértete!

10.) El bloqueo del artista puede llegar en cualquier momento, y es duro. Darte
el lujo de pasarte un día haciendo cualquier otra cosa puede hacer que
tu cerebro vuelva a funcionar. O simplemente, abrir un archivo en
blanco puede darte ideas. Una imagen puede cambiar a medida que se va
desarrollando (en los trabajos personales, claro. En los comerciales
hay que seguir un guión! ) así que no estar demasiado seguro del mensaje
no es necesariamente un problema; ya lo encontrarás después...

11.) Créate una web. Es muy valiosa para autopromoción. Envía trabajos a
editores que usen imágenes similares. Muéstrate en exposiciones de arte
digital o fotografía, preséntate a concursos. Para empezar, incluso
puede ser buena la idea de hacer cosas gratis. Las asociaciones
benéficas suelen agradecer una postal de navidad gratuita, y los grupos
una portada para sus CDs. A cambio, conseguirás un anuncio gratis para
enviarlo a posibles clientes.

simplemente geniales!

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Maestros del Diseño: Paul Rand

Recordado por uno de sus empleados como el hombre de "peor
genio en el mundo", Rand tal vez hoy goce de fama de reaccionario o lo que
es peor, de viejo gruñón siempre hostil a las nuevas tendencias
y conceptos de diseño. Pero hablar de Rand en esos términos es algo
sumamente injusto. Paul Rand fue, para su época, un revolucionario. Gracias
a su trabajo y a su férreo impulso transformó la naturaleza del
diseño de su país, Estados Unidos, de simple oficio a verdadera
profesión. Acercando las ideas más radicales del constructivismo
ruso, el De Stijl y la Bauhaus, se convirtió así en un fuerte defensor
del modernismo. En palabras del diseñador gráfico Louis Danziger:
"el modernismo era una fe, una religión, una misión, la
cual se nos fue encomendada con pasión y ardor. Paul fue nuestro líder
e inspiración".

Paul Rand, a quien una vez Steve Jobs llamo "el más grande diseñador gráfico vivo", postuló en su libro "Design, form & Chaos" sus propias máximas sobre el diseño de un logo y otras interesantes reflexiones sobre el tema. (y sabía de que hablaba ya que fue el responsable de hitos del diseño gráfico como los logos de IBM, ABC, UPS o Westinghouse entre otros).

• Un logo es una bandera, es una firma, un escudo, un signo de la calle; un logo no vende (directamente), identifica; un logo raramente es la descripción de un negocio; un logo deriva significado de la calidad de la cosa a la cual significa, nunca al revés. Un logo es menos importante que el producto que significa; lo que representa es más importante que como se ve; casi cualquier cosa puede ser sujeto de convertirse en logo.
• ¿Un logo debe ser auto-explicativo (obvio para quien lo ve)? Es solo por asociación con el producto, el servicio, el negocio, o la corporación que el logo adquiere real significado. Deriva su significado y usabilidad de la calidad de lo que simboliza (el objeto). Si una compañía es de segunda, el logo eventualmente sera percibido como de segunda. Es innecesariamente tonto creer que el logo hara su trabajo de inmediatamente, ante un publico que ha sido condicionado apropiadamente.
• Sorprendentemente para muchos, el sujeto a convertirse en logo tiene relativamente poca importancia, e incluso lo apropiado del contenido no siempre juega un rol importante.
• Esto no implica que lo apropiado sea indeseable. Meramente indica que en una relación uno a uno entre el símbolo y lo que simboliza es muy frecuente que sea imposible de ser alcanzado y, bajo ciertas condiciones, objetable. Últimamente, el único mandato en el diseño de logos, parece ser, que sea distintivo, recordable y claro.
• Las presentaciones enlatadas tienen el sello del vacio. Las presentaciones que impactan están diseñadas a medida para un propósito en particular, para una persona en particular. Cómo presentar una idea es quizás una de las tareas mas difíciles del diseñador. Este "cómo" no solo es un problema de diseño, también implica una forma novedosa de mostrar las cosas. Todo lo que hace un diseñador involucra algún tipo de presentación, no solo explicar el "cómo" de un diseño en particular a un individuo interesado (cliente, lector, espectador), pero como el diseño se explica a si mismo en el mercado... Una presentación es el acompañamiento musical del diseño. Una presentación que carece de idea no se puede esconder tras glamorosas fotos, excitación o disculpas. Si es un montón de sinsentidos, puede caer en oídos sordos y si es demasiado relajada, puede aterrizar en los brazos de Morfeo.

aqui un link a su pagina.

mas de Paul Rand via wikipedia.

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MALCOLM GREAR

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Milton Glaser

icono de los iconos, maestro del diseño , como siempre he dicho un buen diseño es atemporal y persiste al tiempo y las modas, tal es el caso del ubicuo logo de I love NY.

Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para, en 1974, crear su propia compañía.

Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan,
un símbolo de los años sesenta. Glaser se ha dedicado al diseño
editorial y a la identidad corporativa. En el primer campo ha trabajo
para publicaciones como Paris Macht, L´Express, Esquire o Village Voice y a principios de los años noventa La Vanguardia de Barcelona.

En identidad corporativa, desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union, una cadena de supermercados en los Estados Unidos. En 1981 creó el conocido símbolo para I love New York.
El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y esta influido
por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una
importancia grande. Ha diseñado algunos tipos de letra, la mayoría de
carácter decorativo y escasamente legibles, como reflejo de esta
orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. Su
concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que
expresa en su obra una particular visión del mundo.

una liga directo a su sitio.

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MA-ES-TRA-ZO........

No se si es por que hoy ando inspírado, o necesitaba de sabias palabras pero algunas veces cuando creemos que ya nos la sabemos llegan cosas como esta, el cuadro arriba seguramente es reconocido por muchos, se trata de una ilustracion realizad por uno de los mas grandes exponentes de la ilustracion , no solo japonesa, sino mundial, el mestro Hokusai, no quiero hablar de su biografia , para eso esta la wikipedia, pero si de su filosofia, que nos revela a un gran artista con una gran alma y una modestia equiparable solo a su gran talento.

• “ a la edad de cinco años tenía la manía de hacer trazos de las cosas.

• A la edad de 50 había producido un gran número de dibujos, con todo, ninguno tenía un verdadero mérito hasta la edad de 70 años.

• A los 73 finalmente aprendí algo sobre la calidad verdadera de las cosas, pájaros, animales, insectos, peces, las hierbas o los árboles.

• Por lo tanto a la edad de 80 años habré hecho un cierto progreso,

• a los 90 habré penetrado el significado más profundo de las cosas,
  
• a los 100 habré hecho realmente maravillas
  
• y a los 110, cada punto, cada línea, poseerá vida propia”

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Luis Almeida

Pues bien he decidido inagurar esta seccion diseñadores mexicanos,para contribuir un poco a la investigacion de la historia del diseño en Mexico.

Luis Almeida

Nació en México, D.F., en 1946. En 1979 obtuvo su licenciatura en Arquitectura por la Universidad Nacional Autónoma de México. Posteriormente realizó estudios de diseño industrial en la Universidad de Florencia, Italia, y de semiótica en la Sorbona. Trabajó en Francia como Diseñador Gráfico de la Societé Look. En México inició sus trabajos en la Imprenta Madero, donde colaboró con Vicente Rojo. Buena parte de su labor ha estado ligada a la cultura; Festival Cervantino, libros de texto gratuitos de la SEP, Universidades y centro de estudio así como a diversas campañas sociales y políticas.

muchos problablemente no ubique su nombre, pero estoy seguro que reconoceran uinmediatamente su trabajo.

para muestra un boton

el primer logo es el del CONACULTA, consejo naciona para la cultura y las artes, el segundo de la editorial artes de México y el tercero el icono del festival Cervantino.

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Saul Bass

Pocos diseñadores han dejado huella en el mundo del diseño como Saúl Bass, el es uno de los "Grandes " pertenecientes a la generación de creadores en la que realmente se necesitaba de talento para dedicarse a esta profesión.

No solo logro crear identidades corporativas perdurables, a prueba del tiempo y las modas, las cuales se convirtieron mas tarde en arquetipos, sino además se consolido como un gran cartelista logrando trabajos soberbios como “The Man with the Golden Arm” y “vertigo” de Hitchcock entre muchos otros, también incursiono en el diseño de "motion graphics" para los títulos y créditos de un sinnúmero de películas, todo un estuche de monerías , como diría mi abuela...

Para saber un poco o mas de el aquí esta parte de su biografía

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