"diseño,luego existo...."Catherine Mcintyre
esta autora es una de mis "gurus" en cuanto a ilustracion y fotografia se refiere,maneja las texturas de una forma magistral y se ha convertido en una inspiracion para mi trabajo , he encontrado esto en un foro y me gustaria compartirlo con ustedes.
Catherine Mcintyre , nacida en Escocia, donde trabaja
actualmente, posee estudios formales de fotografía, lo que sin duda
ayuda a entender el carácter de su trabajo centrado en la pose del
cuerpo humano. En sus trabajos, el cuerpo humano tiene un papel
fundamental, de una manera delicada y sutil, y aunque a
veces se mezcle con huesos, moscas y otros elementos que puedan
simbolizar estados decadentes de la carne, es la belleza y tranquilidad
del conjunto de la imagen lo que queda, un estado de cuerpos posando en
espacios fantasmagóricos, en atmósferas densas y veladas por la
espesura del aire.
Ha desarrollado un lenguaje visual caracterizado por una delicada
superposición de capas y suaves transiciones entre elementos, las que a
modo de velos, cubren o dejan ver los cuerpos insertos en sus
composiciones.
Ella toma elementos naturales como cuerposdesnudos, conchas marinas, animales y los combina con papeles, cartas y fotografías antiguas, creando ambientes sobrenaturales y atemporales. Mcintyre posee una capacidad para realizar imágenes increíblemente
simples, pero es sin embargo esta economía de medios la que define su
propuesta, pues con la presencia del cuerpo, una textura y algún otro
elemento, bastan para crear una imagen rica en sentidos y profundidades
visuales, alejada de la acostumbrada sobresaturación de elementos y
demostración de capacidades técnicas comunes en el medio.
Su único libro hasta el momento, Deliquescence, recopila más de 60
trabajos de esta artista, una de las pocas mujeres (junto a Sandy
Gardner) que enriquecen con su sensibilidad un paisaje dominado
generalmente por hombres.
esta es el vinculo a su pagina: ,Catherine Mcintyre
CONSEJOS DE CATHERINE MCINTYRE sobre medios naturales:
1.) Todo tiene que ver con el arte y el arte tiene que ver con todo. Cualquier
cosa, no importa lo mundana que sea, puede despertar conexiones en tu
mente y hacer que se te ocurra una idea nueva. Intenta llevar siempre
una cámara, para esto son buenas esas digitales tan pequeñas; te la
puedes meter en el bolsillo y capturar lo inesperado. También observa
el trabajo de gente que admiras, eso puede ayudarte a clarificar tu
propia visión y la dirección que quieres tomar. Además eso entrena a tus
ojos para ver las buenas composiciones, administración del color...
Hasta que se convierte en algo habitual y pasar a la parte divertida:
Inventar!
2.) Si buscas material interesante, ya habrás ganado media batalla. Por
ejemplo, un hospital local me permitió acceder al departamento de rayos
x, y fue muy valioso. A menudo los propietarios de anticuarios te dejan
fotografiar su material generosamente. También existen museos de
universidades que te dejan sacar fotos sin flash, pero habla antes con
ellos.
3.) Texturiza tus trabajos con muchas fotos. Cualquier cosa que te llame la atención:
Paredes viejas, contenedores, vallas... Usando los modos de capa, la
imagen adquirirá profundidad, tanto visualmente como en términos de
significado. Me gusta jugar con la vejez en un medio tan nuevo; la da
un "alma". Usar objetos que han sido amados y que tienen una historia
ofrece una realidad y una verdad: le dan veracidad al arte digital, que
de otra manera sería demasiado limpio y quirúrgico.
4.) Los modos de capa de Photoshop tienen que ser la manera más importante de
mezclar los elementos de tu trabajo. Permiten que cada una de las capas
tenga una influencia, y te ayudan a evitar un aspecto plano. El modo
correcto puede unir una capa con la imagen; busca uno que te ayude a
fusionarlas, varía su opacidad, incluso puedes duplicarla y asignarle
modos diferentes a cada copia para conseguir un todo coherente. Para
algunas de mis ilustraciones varío el modo de aplicación de la figura a
lo largo de la imagen. Duplicando las capas y usando máscaras, algunas
capas pueden estar en el modo Luminosidad, vinculándolo al tono del
fondo, algunas en luz suave para que disminuyan, y otras en modo Normal
para darles fuerza.
5.) En lugar de las selecciones complejas, de por ejemplo las ramas de un
árbol delante del cielo, intenta aplicar otro modo a la capa: si usas
Multiplicar, o quizás Oscurecer, es posible que no tengas que hacer
ninguna selección.
6.)A veces una imagen puede estar casi acabada y aun así carecer de
"chispa". Intenta ajustar las capas. Por ejemplo añadiendo un poco más
de contraste o saturación puedes darle un empujón. También puede ayudar
una toma abstracta de algo con un poco de color, desenfocada, para que
su tema y su contraste tonal no interfieran con el modo de la capa Luz
suave, o incluso Trama con una opacidad baja. Así puedes dar vida a
áreas monótonas.
7.)Esto puede parecer obvio, pero es fácil meterse tanto una imagen que olvides
guardarla periódicamente. Perder horas de trabajo es desmoralizante,
especialmente cerca de la fecha de entrega. Además, si guardas una
versión antigua y una nueva, después puedes hacer un Guardar Como y
desarrollar ambas. Grabar versiones de las imágenes con capas te
permite volver a trabajar en ellas más tarde si se te ocurre algo
nuevo.
8.) Photoshop te permite experimentar sin destruir el trabajo anterior. La paleta
Historia (en PS 5 posterior) es particularmente útil. Si no estás
seguro de si una serie de pasos ha mejorado la pieza, compruébalo yendo
hacia atrás en los cambios y haciendo comparaciones directas. Puedes
ajustar el numero de pasos que estén disponibles. Mas pasos significan
ocupar más memoria, así que usa una cifra media, 20 o 25, y graba el
trabajo mas a menudo. Así podrás volver atrás en la historia sin
sacrificar la velocidad.
9.)No dejes que el programa determine la obra. Úsalo una y otra vez hasta que los atajos y los controles sean tan naturales que no tengas que pensar
en ellos. Esto puede hacer que seas muy consciente del cómo, en lugar
del qué de la imagen. La mejor manera de desarrollar tu técnica y lo más
importante, tu propia voz, es practicar. Tómate descansos apropiados
(así evitas dolores de cabeza). Para que los ojos se relajen son
suficientes cinco minutos. Diviértete!
10.) El bloqueo del artista puede llegar en cualquier momento, y es duro. Darte
el lujo de pasarte un día haciendo cualquier otra cosa puede hacer que
tu cerebro vuelva a funcionar. O simplemente, abrir un archivo en
blanco puede darte ideas. Una imagen puede cambiar a medida que se va
desarrollando (en los trabajos personales, claro. En los comerciales
hay que seguir un guión! ) así que no estar demasiado seguro del mensaje
no es necesariamente un problema; ya lo encontrarás después...
11.) Créate una web. Es muy valiosa para autopromoción. Envía trabajos a
editores que usen imágenes similares. Muéstrate en exposiciones de arte
digital o fotografía, preséntate a concursos. Para empezar, incluso
puede ser buena la idea de hacer cosas gratis. Las asociaciones
benéficas suelen agradecer una postal de navidad gratuita, y los grupos
una portada para sus CDs. A cambio, conseguirás un anuncio gratis para
enviarlo a posibles clientes.
simplemente geniales!
